SOM E MÚSICA POUCO DISCIPLINADORES: PENSAR ATRAVÉS DA EXPERIÊNCIA AUDITIVA

A palestra aborda algumas armadilhas associadas à noção de disciplina a partir da perspectiva da experiência de audição. A partir de exemplos de investigação e práticas artísticas de vários campos, pretendo abrir possibilidades de escuta que transversem o conhecimento e as convenções de prática no domínio do auricular. A palestra assume o termo “Som e Música” como um veículo para nos ajudar a pensar através de processos de indisciplina e descolonização da audição. Vou recorrer a práticas socialmente empenhadas para articular estratégias que desafiem as divisões disciplinares através da experiência vivida. Exemplos de práticas académicas e artísticas ilustram oportunidades de práticas indisciplinares e não-disciplinares no contexto de alguns dos desafios que enfrentamos hoje.

THE SPACE FOR VISUAL RESEARCH

The Space for Visual Research (SfVR) é uma plataforma para a produção experimental de imagens. Estabelecido como laboratório extracurricular na Universidade Bauhaus de Weimar em 2013, que encoraja os designers gráficos a explorar modos alternativos de produção e expandir o seu repertório criativo com modos alternativos de produção. Weisbeck mostra conceitos e exemplos visuais de trabalhos que são desenvolvidos no contexto deste laboratório de reflexão de design.

STREET ART E ICONOGRAFIA MUSICAL – O ESTUDO DE CASO DAS RUAS DE LISBOA

Nos últimos anos, a arte de rua foi enquadrada como parte de nossa herança cultural; entretanto, até o momento não houve um entendimento claro quanto à definição e/ ou conceptualização desta forma artística como “patrimônio”. Nem é consensual a crescente atenção que lhe é dada em termos de conservação, memória cultural, identidade, poder e intervenção. Ainda amplamente considerada uma forma de arte “bastarda”, como diria Georges Brassaï, a arte urbana luta para se afirmar perante a opinião pública e especializada. Esta palestra pretende analisar algumas obras presentes nas ruas de Lisboa, com referências à música (iconografia musical), ao abordar preservação vs. efemeridade, mutação, mutilação, aceitação por observadores locais e estrangeiros e compreender, afinal, qual é o papel de música e instrumentos musicais neste tipo de arte.

Design Disruptor, impulsionadora de limites criativos e provocadora cultural, Dr. Leyla Acaroglu (A-jar-a-loo) incorpora a inovação que desencadeia mudanças positivas. Designer premiada, socióloga e especialista em sustentabilidade, Leyla é reconhecida internacionalmente como uma força impulsionadora no movimento por um futuro circular e sustentável.

Como empreendedora social, Leyla é a fundadora da agência criativa Disrupt Design e desenvolveu o Método de Design Disruptivo. Ela é a fundadora do premiado laboratório experimental de conhecimento The UnSchool of Disruptive Design e, mais recentemente, fundou o CO Project Brain Spa Farm.

Leyla foi premiada pelo seu trabalho no avanço da ciência e inovação como Campeã da Terra 2016 pelo Programa das Nações Unidas para o Meio Ambiente, e sua TEDTalk em 2013 angariou mais de um milhão de visualizações. Deu palestras por todo o mundo, sobre tópicos de redesenho de sistemas à ética da tecnologia e do poder da mudança Disruptiva.

Leyla obteve o PhD da RMIT University em design centrado na mudança e ganhou uma série de prémios pelo seu trabalho, incluindo a nomeação como uma das 100 pessoas mais influentes de Melbourne (embora viva agora entre Nova York e a Europa).

Os artigos de Leyla sobre abordagens baseadas em sistemas para problemas complexos foram apresentados em várias publicações, incluindo Quartz e The New York Times. Como designer, seus trabalhos como Design Play Cards, Game Changer Game, Secret Life of Things, Designercise e Gender Equity Toolkit estão na vanguarda do activated experience design. É autora de vários manuais para agentes de mudança e continua a pesquisar novos métodos de resolver problemas sociais complexos através de intervenções bem planeadas. O trabalho criativo de Leyla é altamente aclamado, tendo sido apresentado numa exposição permanente no museu Leonardo di Vinci em Milão e ganho comissões da Galeria Nacional de Victoria.

É uma palestrante respeitada internacionalmente e especialista no seu campo, tendo conduzido milhares de horas de workshops, palestras, ativações e experiências educacionais em todo o mundo. Leyla foi investigadora visitante na NYU e Innovator in Residence no Center for Social Innovation NYC. Foi também Artist in Residence convidada da Autodesk e geriu o desenvolvimento do ‘Greenfly’, uma das primeiras ferramentas online de avaliação do ciclo de vida para designers.

Leyla é regularmente convidada a fornecer opiniões profissionais na rádio e na TV como regular no programa de comentários políticos da ABC TV, QandA, e na PBS, em conjunto com uma série de programas internacionais.

HOW CAN A DISRUPTIVE DESIGN EDUCATION ACTIVATE SUSTAINABILITY AND POSITIVE SYSTEMS CHANGE

Agora é o momento para mudanças radicais, em que todos os aspectos da sociedade estão a ser impactados e transformados. A grande questão é quais mudanças nos sistemas resultarão num futuro positivo e sustentável? Como podemos projetar experiências educativas que forneçam as ferramentas e técnicas necessárias agora para apoiar a transformação que está já em andamento? A economia circular oferece muitas opções para mudanças criativas, uma vez que desafia o formato de negócios, desenvolvimento de produtos e processos de produção. Porém, a criação de uma economia circular exige que todos nós mudemos a maneira como fazemos as coisas atualmente; como vivemos e trabalhamos, projetamos e construímos, consumimos e nos movimentamos. Este é um momento perturbador e criativo, pois passamos por grandes mudanças culturais em todos os aspectos da vida, o que podemos descobrir das crises atuais para que possamos fazer mudanças que resultem num futuro justo e sustentável?

Katja Tschimmel, alemã de nascimento e portuguesa por escolha, é Consultora e Formadora Executiva, Investigadora e Docente, Coach e Palestrante em diversos Congressos.
Com um Ph.D em Design e Mestrado em Criatividade Aplicada, Katja pesquisa nas áreas de Creative Thinking, Design Thinking, Creative Processes e inovação há mais de 20 anos. Apresenta o seu trabalho em conferências nacionais e internacionais, tendo sido oradora principal em inúmeras conferências internacionais. Publica regularmente na área da Criatividade e Design, tendo publicado recentemente o livro coletivo “O Vírus da Criatividade – um livro sobre e para o Pensamento Criativo” (2019). Katja é autora do Modelo de Inovação e Design Thinking “Evolution 6”, que é licenciada pela Creative Commons, CC by-SA desde 2015.
Katja é administradora da MINDSHAKE, uma Consultora em Pensamento e Design Criativo. Com o modelo “Evolution 6”, dá coaching a processos criativos em departamentos de inovação de várias empresas, como Adidas, Farfetch, Lipor, NOS ou Roche. Como formadora e facilitator, Katja tem muita experiência na concepção e realização de workshops sobre Criatividade e Inovação, Processos Criativos nas Organizações, (Serviço) Design Thinking, Ferramentas de Pensamento Criativo e Dinâmica de Grupo. Acredita que a conscientização sobre os fatores que estimulam a criatividade contribui para mais eficiência nos processos de inovação.
Actualmente a Katja é Professora Convidada na Porto Business School, na Faculdade de Economia da Universidade do Porto e na Laurea University (Finlândia). Durante 15 anos foi Professora na ESAD, Escola Superior de Artes e Design de Matosinhos (Portugal), onde coordenou entre 2014 e 2017 o projeto de investigação D-THINK – Design Thinking Aplicado à Educação e Formação, Programa Erasmus +, KA2 – Cooperação e Inovação para Boas Práticas. Na ESAD coordenou também o primeiro Curso de Pós Graduação em Design Thinking em Portugal. A convite dá aulas em várias outras instituições de ensino em Portugal e no estrangeiro. Katja supervisiona muitas dissertações de mestrado e doutoramento e participa de vários júris académicos. Ela é membro de vários comitês científicos internacionais de revisão por pares.

CRIATIVIDADE E DESIGN: UMA ABORDAGEM SISTÉMICA

A criatividade é vista como um motor de evolução e inovação humana, e como um factor decisivo no desenvolvimento de competências pessoais, profissionais, sociais e empresariais. Claro que, também na área do Design, a criatividade, ou mais especificamente o pensamento criativo, é um factor essencial para o sucesso. Apesar da existência de algumas publicações científicas dedicadas à relação entre Criatividade e Design, ainda existem argumentos sobre a natureza da ligação entre estes dois conceitos, especialmente com a coexistência de conceitos como Criatividade em Design, Design de Inovação ou Pensamento Design.

Nesta palestra interactiva, Katja Tschimmel tentará desmistificar alguns destes conceitos, contextualizando a Criatividade e o Design numa perspectiva sistémica onde serão considerados outros factores responsáveis pela emergência da novidade e inovação. Para além de uma abordagem teórica, ela apresentará alguns desafios práticos relacionados com a diferenciação entre o pensamento criativo no Design, e em geral. No final da sua apresentação, levantará alguns desafios para a Educação para o Design.

Jonathan é um designer independente que construiu a sua carreira utilizando a prática do design centrado no ser humano para ajudar as organizações a atingir novos níveis de inovação.

Começou a sua carreira no design de produto, onde concebeu uma vasta gama de produtos de consumo, desde brinquedos a assentos de sanita a produtos industriais para os sectores do petróleo, da pesca e da silvicultura. Todos os designs de Jonathan foram fabricados e vendidos com grande sucesso – sucesso que atribui aos princípios de design centrado no ser humano que o acompanham desde o início.

Jonathan faz parte de uma série de redes de associados respeitados. Como Design Associate for Design Council, iniciou o internacionalmente reconhecido Design Atlas, fez parte da equipa que desenvolveu o Double Diamond, e criou a Design Opportunities Tool, que estava no centro do programa de apoio empresarial Designing Demand. Fez parte da pequena equipa que liderou a criação e entrega dos seus programas de coaching, que aceleram a comercialização da ciência, aceleram o crescimento das empresas e transformam a prestação de serviços públicos. Jonathan trabalhou directamente com muitos dos clientes do Design Council, incluindo empresas de fabrico e serviços e organismos públicos de todas as dimensões, bem como os departamentos governamentais Home Office, BIS e Government Office for Science e EU Policy Lab.

Tendo ajudado a moldar e a fornecer Innovation by Design no Centre for Design Innovation na Irlanda – o primeiro programa de apoio empresarial centrado no utilizador patrocinado pela UE – Jonathan foi co-autor do Business Support Canvas; uma abordagem estratégica à avaliação, desenvolvimento e fornecimento de programas de design e inovação com financiamento público.

Os projectos continuam a ser diversificados; o Creative Decision Making Playbook for BBC Digital, o programa Design Thinking Accelerator para V&A Dundee e a introdução de estratégia orientada para o design para organizações de todas as dimensões. Jonathan é um Instrutor Principal Certificado para o Instituto LUMA em Pittsburgh, onde o seu trabalho apoia o rápido crescimento da LUMA e permite o seu alcance global com clientes que incluem McDonalds, Honeywell, Autodesk, Prudential e DBS; um dos principais bancos da Ásia.

O DOUBLE DIAMOND. UM ÍCONE OU UM CLICHÉ?

O Double Diamond tornou-se uma referência regular para o processo de desenho desde que foi publicado pela primeira vez pelo Design Council em 2004. Na altura, o Design Council esperava que “…desmistificasse o processo de design e o tornasse acessível a um público que não tivesse design…”. Usando exemplos da sua própria experiência, Jonathan leva tempo a reflectir sobre as origens do Double Diamond, a comentar as formas como tem sido utilizado e pergunta se ainda é relevante hoje em dia.

Jan Eckert é Educador em Design e Investigador na Lucerne University of Applied Sciences and Arts, onde trabalha atualmente como coordenador do Programa de Mestrado em Design. Tem um PhD em Design Sciences pela IUAV University of Venice e um Mestrado Internacional em Interior Architectural Design pela University of Applied Sciences de Stuttgart, pelo Edinburgh College of Art e pela University of Applied Sciences and Arts de Lugano. Estudou anteriormente Arquitetura de Interiores na Universidade de Ciências Aplicadas de Stuttgart e na École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Eckert trabalhou pela primeira vez como Arquiteto de Interiores na área de Design de Varejo e Exposições. Como investigador sénior do Centro de Competência de Tipologia e Planejamento em Arquitetura de Lucerna, começou a desenvolver métodos e projetos centrados no ser humano na área de Design de Locais de Trabalho. Foi co-professor de Arquitetura de Interiores na Universidade de Ciências Aplicadas e Artes de Lucerne, professor visitante de Design na Universidade IUAV de Veneza, Universidade de Artes de Berna e também professor convidado na Universidad del Este, La Plata, Universidad Blas Pascal, Argentina e Izmir University of Economics, Turquia. Na sua tese de doutorado, descreve um conceito que chama de Handlungsspielraum. Este conceito abrange artefactos físicos e digitais que fornecem uma ‘fenda’ ou espaço especificamente projetado que fornece aos usuários espaço para analisar de que modo é que os artefatos podem ser usados.

A EDUCAÇÃO DE DESIGN E O “DESIGNER EM FORMA DE Y”

“A atual expansão do design não é coincidência, nem tendência da moda, nem ideia de uma pequena vanguarda. Na verdade, é a consequência lógica de uma mudança social massiva” – Florian Pfeffer, autor do livro To do: The New Role of Design in a Changing World aponta o que há muito tempo foi ignorado pela educação em design. A maioria dos currículos de design ainda se apega a uma imagem bastante disciplinar do designer que fornece sua competência profissional dentro de uma gama bem definida de aplicações.

Ao redesenhar o nosso currículo de M.A. em design, propusemos-nos a questionar a imagem disciplinar do designer a fim de encontrar uma alternativa que corresponda à mudança na forma como os profissionais trabalham juntos. O ponto de partida foi a hipótese de que os designers do século XXI atuam principalmente como colaboradores ou criativos incorporados em campos e indústrias, que principalmente não pertencem ao domínio do design. Portanto, defendemos um currículo de design que apoie a transição do trabalho em profundidade disciplinar para o trabalho interdisciplinar. Fazemos isso fornecendo um novo currículo de M.A. em Design, que se concentra na conexão de competências e novos formatos de aprendizagem de conversação. A mudança curricular pré-pós mais importante inclui a mudança de um estúdio de design disciplinar para um estúdio de design baseado em problemas, ensino conjunto com professores multidisciplinares, aprendizagem baseada no contexto com parceiros da indústria e formatos de ensino orientados à conversação.

Co-Diretora do Centre for Circular Design da University of the Arts London.
É designer e académica e trabalha para unir a ciência, indústria e design através de pesquisas multidisciplinares e práticas. Atualmente, os projetos incluem Mistra Future Fashion (2015-2019), EU Horizon 2020, Trash-2-Cash (2015-2018), onde o seu trabalho explora ferramentas para o pensamento do ciclo de vida e abordagens para o design circular interdisciplinar.
Tem uma relação de trabalho de longa data, como membro do conselho da Worn Again, uma nova e revolucionária empresa de tecnologia de reciclagem com sede no Reino Unido. Começou a sua pesquisa com Textiles Environment Design (TED) e Textile Futures Research Centre (TFRC) em 2005 com o primeiro doutoramento no Reino Unido baseado em prática e focado em ‘projetar têxteis para a economia circular’. O seu processo de acabamento a laser, desenvolvido em 2008, permite a reciclagem totalmente circular fechado de fibras de poliéster no final da vida útil e tem sido exibido internacionalmente. Atualmente, é membro do ‘EPSRC Forum in Manufacturing Research’, uma revisora ​​especializada de ‘Fashion for Good’ e foi nomeada pelo Guardian como um dos dez maiores especialistas em economia circular em 2015.

NOVOS PAPÉIS E RELACIONAMENTOS PARA OS MATERIAIS CIRCULARES DE DESIGNER. MODELOS E MENTALIDADES PARA A MUDANÇA SISTÉMICA.

O design circular tornou-se relevante para os materiais téxteis através dos Princípios de Hannover de McDonnough & Braungart (1992), seguido pelo mais amplamente citado Cradle to Cradle em 2002, onde o sexto princípio ‘eliminar o conceito de desperdício’ apontou para uma noção muito mais holística de recuperação material em comparação com o mantra ‘reduzir, reutilizar, reciclar’. Eles pediram a otimização do ‘ciclo de vida completo de produtos e processos para emular o estado dos sistemas naturais, nos quais não há desperdício’, e sugeriram que os métodos atuais perpetuem uma estratégia do berço ao túmulo, que era basicamente linear em natureza.

O pensamento de sistemas circulares é construído sobre o sistema mais antigo de todos – o nosso sistema ecológico. O modelo que aspiramos se baseia numa rede sinérgica de ciclos e malhas abertas que se alimentam em múltiplas escalas e velocidades. Estas são transformações complexas e sofisticadas de materiais e matéria viva. Sem dúvida, veremos nesta rede as tecnologias e os processos antigos e novos contribuindo para o todo, com alta e baixa tecnologia trabalhando juntas. O mesmo sistema pode incluir Slow Garments, recicladas de entes queridos ou fibras quimicamente recicladas de volta à qualidade virgem em um sistema de circuito fechado onde nada é perdido.

O Designer Circular (Têxtil) do futuro precisa de compreender completamente os ciclos técnicos e biológicos, mas pesquisas na área mostraram- nos que estes também precisam entender como esses ciclos podem se inter-conectar; e com que velocidade esses ciclos funcionam. A pesquisa de design têxtil baseada na prática interdisciplinar pode gerar novos insights para este campo de design emergente e o potencial do design circular é que este “conecta-se” através de relacionamentos holísticos, participação e colaboração. Ele pode e deve funcionar em níveis micro e macro (de materiais a produtos e sistemas) para evitar as consequências, muitas vezes não intencionais, que podem advir de olhar apenas para partes do ciclo de vida e da cadeia de valor, ao invés do todo.

Esta apresentação demonstra projetos baseados na prática, de investigadores em design no CCD e além, que desafiam e fornecem uma base para diferentes abordagens da circularidade. Através desses projetos, começamos a ver métodos, funções e características emergentes para o futuro ‘Designer Circular’ que pode ser construído em direção a uma mudança verdadeiramente sistémica.

Rui Cidra é um antropólogo, etnomusicólogo e investigador do Instituto de Etnomusicologia do Centro de Estudos de Música e Dança (INET— MD), da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. A sua investigação aborda as relações de poder e as formas de participação política que enquadram a produção da música lusófona africana, nomeadamente de Cabo Verde. Na sua dissertação de doutoramento, Música, Poder e Diáspora: uma Etnografia e uma História entre Santiago, Cabo Verde e Portugal (2011) centrou-se na música e dança cabo-verdiana Funaná e na produção da subjetividade cabo-verdiana santiaguense através das linhas do Crioulo, da masculinidade e pertencimento nacional entre os momentos colonial e pós-colonial. Na sua investigação de pós-doutoramento, que decorreu no departamento de música da Universidade da Califórnia, Berkeley, e no INET-MD, em Lisboa, tem vindo a escrever artigos onde propõe uma genealogia crítica da relação entre música, nação e diáspora entre cabo-verdianos, no pensamento político de Amílcar Cabral e nas transformações trazidas pela ordem neoliberal. Foi editor adjunto da Enciclopédia de Música em Portugal do Século XX (2010), obra na qual tem também colaborado como escritor de verbetes e artigos sobre músicos e géneros musicais das diásporas da África Lusófona e pop rock produzido em Portugal . Leccionou nos cursos de pós-graduação em Migração, Etnia e Transnacionalismo (2004-2011) e Etnomusicologia na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa.

O QUE É A ‘MÚSICA LUSÓFONA’? OS USOS DE UMA CATEGORIA POLÍTICA NO DOMÍNIO DA PRODUÇÃO CULTURAL

Alain Findeli é Professor Honorário da School of Industrial Design da Faculdade de Design Ambiental da Universidade de Montreal (Canadá), onde passou a maior parte de sua carreira (1975-2007), e Professor Emérito de Design da Universidade de Nîmes (França), onde foi convidado a desenvolver pesquisa e ensino em inovação social através do design.

Formado como engenheiro em física (INSA Lyon, 1968) e investigador em ciência dos materiais (IIT Chicago e Polytechnics Montreal, 1968-73), ele optou por re-orientar sua carreira e interesses para os aspectos humanos e sociais da engenharia, tecnologia e design. Concluiu seu extenso estudo da história da educação em design no seu livro Le Bauhaus de Chicago: l’oeuvre pédagogique de Làszlò Moholy-Nagy (1995).

Os mais recentes interesses de pesquisa e publicações de Alain Findeli cobrem questões gerais na teoria e prática do design (metodologia, estética, ética), a fenomenologia das atmosferas em paisagismo e design de interiores, bem como alguns aspectos pedagógicos cruciais do ensino de investigação em design (doutorado). Ele fundou o programa de Mestrado em Design & Complexity em Montreal (1999) e co-fundou o programa de Mestrado em Design-Innovation-Society em Nîmes (2011). Em 2006, ele co-fundou a comunidade francófona internacional de pesquisa em design: Les Ateliers de la Recherche en Design, da qual é presidente. Ele é considerado um ator chave na criação do PROJEKT (project.unimes.fr), o único laboratório francês de pesquisa em design social (2016).

Membro do comitê científico de revistas como Design Issues (MIT Press), The Design Journal (Bloomsbury), Design and Culture (Bloomsbury), l’International Journal of Design Sciences e Technologies and Sciences of Design (PUF).

DA TEORIA À PRÁTICA E RETORNO: UMA DICOTOMIA SEM FRUTOS NO DESIGN

A palestra começará com as seguintes questões: É necessário ter uma teoria do design para ensinar a prática do design? Em caso afirmativo, como seria essa teoria? A evolução das reflexões e modelos pelos quais uma tentativa de resposta a essas questões foi explorada será então apresentada. Tal evolução deve, de facto, ser considerada a tarefa da pesquisa em design. Em conclusão, será sugerido que opor a prática do design e a pesquisa em design é contraproducente, especialmente em situações pedagógicas.

Doutora em Filosofia e Ciências da Educação, Professora da área de Pedagogia da Expressão Musical, Plástica e Corporal da Universidade do País Basco. Seus interesses de investigação estão relacionados ao currículo do curso e música, criatividade e interculturalidade. Autora de artigos em revistas indexadas, livros e capítulos de livros, entre eles: Introducción a la Investigación en Educación Musical (Enclave Creativa 2006); Aportaciones teóricas y metodológicas a la educación musical (Graó, 2007); Creatividad, una constante en el currículum (UC, 2007) Metodologías y líneas actuales de investigación en torno al aprendizaje de la music (Graó, 2010); Investigación cualitativa en educación musical (Graó, 2013).

A oradora participou em vários Comitês Científicos como avaliadora especializada, assim como é palestrante convidada em vários fóruns nacionais e internacionais de pesquisa e ensino. Durante os anos 1996-2006 presidiu a Sociedade de Educação Musical do Estado Espanhol (SEM-EE). Coordenou congressos científicos, seminários e conferências destacando a direção da XXVI Conferencia de la Sociedade Internacional de Educação Musical, realizada em julho de 2004. É membro do Departamento de Educação, Cultura e Política da Língua do Governo Basco. Dirigiu também o mestrado de pesquisa em Psicodidática: Psicologia da Educação e Didática Específica da Universidade do País Basco (2011-2015) e foi membro da Comissão Permanente do Programa de Mestrado e Doutorado de sua Universidade (2012- 2015).

ENSINO E PESQUISA: UM INVESTIMENTO ATRATIVO E NECESSÁRIO NA EDUCAÇÃO MÚSICAL

Um número crescente de pesquisas em educação artística e, portanto, em educação musical tem nos proporcionado transformações importantes na forma como o ensino e a aprendizagem se organizam, embora os nossos estudos sejam pouco conhecidos por investigadores de outras áreas da educação e da sociedade em geral.

O reconhecimento da capacidade investigativa, no perfil do músico, não foi uma tarefa fácil.

O objetivo desta intervenção é alertar sobre esta situação e sobre a necessidade de se procurar formas de reconhecer e divulgar o trabalho realizado. Esta insiste em fornecer links colaborativos entre investigadores e profissionais experientes com jovens investigadores, criando assim um contexto de pesquisa simbiótica. No entanto, há evidências do benefício para a educação musical, colaboração académica com disciplinas que têm um componente prático ou de produção, como artes visuais, mídia, estudos de cinema e assim por diante. A investigação em educação musical permite compreender a formação pela investigação como um processo dinâmico e progressivo da função docente, o que a torna um investimento atraente e necessário.

PhD. e Mestrado em Built Environment pela University of Salford, Reino Unido; PhD. na Universidade Técnica de Lisboa, em Arquitectura, Especialização em Comunicação Visual; Pós-doutorado em Design de Comunicação Visual, Design Inclusivo e Cores pela University of Salford; Presidente do CIAUD (Centro de Pesquisa em Arquitetura, Urbanismo e Design); Coordenador da Área Científica de Design, do Mestrado em Design e do Doutoramento em Design da FA / ULisboa; Membro do júri da FCT para a atribuição de bolsas de doutoramento e pós-doutoramento em Design, Arquitetura e Urbanismo.

Autor de diversos artigos científicos em publicações de revisão por pares e de fator de impacto, autor de capítulos de livros e livros como Cor e Inclusividade: um Projeto de Design de Comunicação Visual com Pessoas Idosas (2013) e Unidade Cor / Espaço, uma unidade de comunicação visual (2011). Frequentemente convidado como orador principal em conferências, congressos e seminários em Portugal e no estrangeiro.

PROCESSOS EM DESIGN- FOCO NA EDUCAÇÃO E INVESTIGAÇÃO

A relação entre ensino, pesquisa e sociedade tem se fortalecido, procurando articular teoria e prática, para que os alunos possam adquirir competências progressivas e mais complexas, preparando-os não só para os desafios da profissão, mas também para a consciencialização da necessidade de formação ao longo da vida. Esta mudança de paradigma está a conduzir a uma atitude mais assertiva, dando maior importância aos processos e métodos de desenvolvimento do design no design, deslocando a abordagem que antes se centrava nos resultados, no produto final, avançando para os modelos, metodologias utilizadas desde a fase de concepção , desde o desenvolvimento dos produtos e sua concretização final, até a avaliação pós-projeto. Por outro lado, a investigação, com a aquisição de conhecimentos sobre os métodos, técnicas e ferramentas que podem ser utilizadas no processo investigativo, tornou-se uma componente fundamental tanto para o ensino como para a atividade profissional, neste caso, para os designers.