INDISCIPLINAR EL SONIDO Y LA MÚSICA: PENSAR A TRAVÉS DE LA EXPERIENCIA AUDITIVA

La charla aborda algunos escollos asociados a la noción de disciplina desde la perspectiva de la experiencia auditiva. A partir de ejemplos de investigación y prácticas artísticas de diversos campos, pretendo abrir posibilidades de escucha que trasciendan las convenciones del conocimiento y la práctica en el ámbito de lo auditivo. La charla adopta el término “sonido y música” como vehículo para ayudarnos a pensar en los procesos de indisciplina y descolonización de la escucha. Me basaré en prácticas socialmente comprometidas para articular estrategias que desafíen las divisiones disciplinarias a través de la experiencia vivida.

Carlos Teixeira es profesor de diseño Charles L. Owen en el Instituto de Diseño (ID) del IIT, donde imparte cursos de posgrado y asesora a los estudiantes de doctorado sobre el uso estratégico de las capacidades de diseño en espacios complejos de innovación. También es director de la facultad del Action Lab.

Es el fundador de ORGE Innovation Consulting, que asesora a los líderes globales de las organizaciones sobre cómo construir el know-how para innovar a través de las capacidades y estrategias de diseño. Carlos se doctoró en diseño por el ID en 2002. Antes de su doctorado, obtuvo un máster y una licenciatura en diseño en la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro (Brasil).

Antes de incorporarse al ID en 2016, Carlos fue miembro del cuerpo docente de la Parsons School of Design de Nueva York (2003-09), donde desempeñó un papel decisivo en el desarrollo de programas de grado y posgrado en diseño estratégico y diseño transdisciplinar. En 2014 recibió el premio Distinguished Teaching Award de The New School por su innovadora pedagogía en los estudios y proyectos de diseño de posgrado.

Los intereses de investigación de Carlos incluyen las áreas de estrategia de diseño, innovación abierta y soluciones sostenibles. La pregunta central de su investigación actual es: “¿Cómo puede el diseño afectar la vida y el bienestar de las personas y las comunidades aprovechando la interconectividad de los mercados, la tecnología, el medio ambiente, las finanzas y las redes sociales?” En 2019 Carlos recibió una subvención de 100.000 dólares de la Fundación Kresge para el proyecto de investigación Flag Calumet, que forma parte de una asociación entre ID y la Calumet Cooperative.

¿QUÉ INVETIGACIÓN REALIZA UN DOCTORADO EN DISEÑO?¿CÓMO Y POR QUÉ ES RELEVANTE?

En esta conferencia, Carlos Teixeira, Director del Programa de Doctorado en Diseño del IIT – Instituto de Diseño, sostiene que los individuos, las comunidades y las organizaciones están en la intersección de múltiples disrupciones sociales, ambientales y tecnológicas. Sus experiencias vitales y laborales serán el resultado de las soluciones que diseñemos para esas nuevas realidades. Presentará los resultados de su investigación doctoral sobre los retos contemporáneos del diseño en materia de sostenibilidad, equidad e inteligencia. La pregunta central de su investigación es: “¿Cómo puede el diseño afectar a la vida y el bienestar de las personas y las comunidades aprovechando la interconectividad de los mercados, la tecnología, el medio ambiente, las finanzas y las redes sociales?” Además, los estudios de casos con soluciones de diseño en sistemas de alimentación, energía y movilidad demostrarán las aplicaciones prácticas de los resultados de la investigación de los estudios de doctorado en diseño.

Markus Weisbeck es un diseñador gráfico y profesor residente en Weimar y Fráncfort del Meno. Fundó el Design-Studio Surface en 2000.

Weisbeck ha dado conferencias y ha participado en numerosos congresos internacionales sobre temas relacionados con el diseño y ha impartido clases en varias universidades, como la UDK de Berlín, la Universidad de Darmstadt, la HGB de Leipzig y Pati Korea, y es profesor de diseño gráfico en la Bauhaus de Weimar desde 2011. Es miembro frecuente del jurado en concursos de diseño de todo el mundo y escritor a tiempo parcial para el Frankfurter Allgemeine Zeitung, Frieze y Form en la disciplina de Grafik Design. Desde 2013 es miembro oficial de la Alliance Graphique Internationale.

Creó “El Espacio para la Investigación Visual” como taller y laboratorio para la investigación experimental de nuevos mundos gráficos, abstractos y visuales en la Bauhaus-Universidad de Weimar en 2013. La misión del Espacio es apoyar el impulso exploratorio de nuevas estéticas, en particular capacitando a los estudiantes de diseño para crear su propia imaginería individual. Se realizaron talleres en la Casa de los Artistas, Teherán, Irán, Taiwán Tech, Taiwán, Design Summer Hangzhou, China, Paju Typography Institute PaTI, Corea, UCB La Paz, Bolivia, Y Design Festival, Macao, China, 2019, Gwangju Biennale, Corea, 2019 y en el AGI Rotterdam.

A través de colaboraciones, proyectos de comisariado y publicaciones, Weisbeck ha desarrollado una práctica única que amplía la forma de colaboración desde una estructura pragmática de trabajo conjunto hasta el desarrollo conjunto de contenidos.

Entre sus proyectos de diseño se encuentran la dirección artística del Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, la Forsythe Company, Luma Arles, Fogo Island Arts, Documenta 11, la identidad corporativa para Zumtobel, el Museo Judío de Frankfurt, Gwanju Folly II Korea, el Städel Architecture Class, el German Pavillion: Bienal de Venecia 2007 y 2009, la 7ª Bienal Internacional de Arquitectura (BIA) de São Paulo, Manifesta 7, series de publicaciones para Sternberg Press, así como muchos otros libros para artistas (individuales).

THE SPACE FOR VISUAL RESEARCH

The Space for Visual Research (SfVR) es una plataforma para la producción experimental de imágenes. Establecido como un laboratorio extracurricular en la Universidad Bauhaus de Weimar en 2013, anima a los diseñadores gráficos a explorar modos alternativos de hacer y a ampliar su repertorio creativo con modos alternativos de hacer. El profesor Weisbeck muestra conceptos y ejemplos visuales de trabajos que se desarrollan en el contexto de este laboratorio de pensamiento de diseño.

La profesora Sabine Junginger (doctora) es experta en los principios, métodos y procesos del diseño centrado en el ser humano. Su investigación sobre las teorías y prácticas de diseño relevantes para las organizaciones públicas y privadas es reconocida internacionalmente. Además, explora la elaboración y aplicación de políticas como actividades de diseño especialmente importantes para tener éxito en la transformación digital.

Su trabajo académico se basa en sus anteriores carreras de periodismo, marketing y relaciones públicas. Antes de cursar estudios de diseño, trabajó como periodista en medios impresos, en Designworks/USA, una empresa de BMW en Newbury Park, California, y en Siemens Corporate Design en Múnich, así como en el German American Trade Center de Atlanta. En este último, también fue el punto de comunicación en Estados Unidos del fabricante suizo Bodenschatz.

En la actualidad, forma parte de varios consejos editoriales y consultivos internacionales de organizaciones académicas, de la sociedad civil y empresariales, como los consejos editoriales de Design Issues (MIT Press) y She Ji (Universidad de Tongji), el Consejo Asesor Internacional de la Design Research Society y el Comité de Investigación de la Universidad Libre de Bozen-Bolzano (Italia), GovLab Austria, el Foro Europeo de Alpbach, la Universidad Alemana de Ciencias de la Administración Pública y Dataport. Es presidenta de la organización alemana sin ánimo de lucro Política para el Mañana, cofundadora de la Red Suiza de Diseño de Servicios y desde 2009 recibe una beca renovable cada dos años de la Escuela Hertie de Berlín.

La Prof. Dra. Junginger obtuvo su máster en Planificación de la Comunicación y Diseño de la Información y su doctorado en Diseño en la renombrada Escuela de Diseño de la Universidad Carnegie Mellon, ambos bajo la supervisión del Prof. Dr. Richard Buchanan y la Prof. Dra. Denise Rousseau. Su tesis de máster combinó el diseño de interacción y el diseño de comunicación para desarrollar un sistema digital de orientación hospitalaria centrado en el paciente. Su tesis doctoral amplió el enfoque del diseño de interacción centrado en el ser humano a los problemas de cambio y gestión de las organizaciones. Entre sus anteriores cargos académicos figuran el de profesora y miembro fundador del grupo de investigación en diseño imaginationLancaster en la Universidad de Lancaster (Reino Unido) y el de profesora asociada en la Escuela de Diseño de Kolding (Dinamarca).

PASAR DE LAS PROBABILIDADES A LAS POSIBILIDADES: ¿CÓMO NOS SERVIRÁ LA NUEVA BAUHAUS EUROPEA?

En el pasado, el diseño pasó al centro de la escena cuando la gente se dio cuenta de que sus valores, creencias, normas y comportamientos existentes ya no servían a las necesidades de la sociedad y del individuo. No es casualidad que la Bauhaus original ofreciera una rigurosa formación en diseño entre las incertidumbres de la República de Weimar, ni que la Escuela de Diseño de Ulm (HFG) forjara nuevas posibilidades para el futuro tras el régimen nazi. Cuando nada parece ser lo que era y cuando el statu quo ya no es defendible, las formas en que concebimos, planificamos, desarrollamos y ofrecemos nuevos caminos hacia lo desconocido adquieren un nuevo significado. Pasamos de las probabilidades a las posibilidades. La Nueva Bauhaus Europea también surge en el contexto de un mundo VUCA recién experimentado, un mundo lleno de Volatilidad, incertidumbre (Uncertainty), Complejidad y Ambigüedad. ¿Cómo nos servirá esta iniciativa? ¿Cómo preparará a los profesionales del diseño y a los investigadores del diseño para contribuir?

ARTE CALLEJERO E ICONOGRAFÍA MUSICAL – EL CASO DE LAS CALLES DE LISBOA

En los últimos años, el arte callejero se ha enmarcado como parte de nuestro patrimonio cultural; sin embargo, hasta ahora no se ha entendido claramente la definición y/o conceptualización de esta forma artística como “patrimonio”. Tampoco hay consenso sobre la creciente atención que se le presta en términos de conservación, memoria cultural, identidad, poder e intervención. El arte urbano, aún considerado como una forma de arte “bastarda”, como diría Georges Brassaï, lucha por imponerse ante la opinión pública y especializada. Esta charla pretende analizar algunas obras presentes en las calles de Lisboa, con referencias a la música (iconografía musical), abordando la preservación frente a lo efímero, la mutación, la mutilación, la aceptación por parte de los observadores locales y extranjeros y entender, al fin y al cabo, cuál es el papel de la música y de los instrumentos musicales en este tipo de arte.

La Dra. Leyla Acaroglu (A-jaar-a-loo), disruptora del diseño, impulsora de los límites creativos y provocadora cultural, encarna la innovación que desencadena el cambio positivo. Premiada diseñadora, socióloga y experta en sostenibilidad, Leyla es reconocida internacionalmente como una fuerza impulsora del movimiento por un futuro circular y sostenible.

Como emprendedora social, Leyla es la fundadora de la agencia creativa Disrupt Design y desarrolló el Método de Diseño Disruptivo. Es la fundadora del galardonado laboratorio de conocimiento experimental The UnSchool of Disruptive Design y recientemente ha fundado el proyecto CO Brain Spa Farm.

Leyla fue galardonada por su labor de fomento de la ciencia y la innovación como Campeona de la Tierra 2016 por el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente, y su TEDTalk de 2013 obtuvo más de un millón de visitas. Ha dado charlas por todo el mundo sobre temas que van desde el rediseño de sistemas hasta la ética de la tecnología y el poder del cambio disruptivo.

Leyla se doctoró en la Universidad RMIT en diseño centrado en el cambio y ha ganado varios premios por su trabajo, entre ellos el de ser nombrada una de las 100 personas más influyentes de Melbourne (aunque ahora vive entre Nueva York y Europa).

Los artículos de Leyla sobre enfoques basados en sistemas para problemas complejos han aparecido en varias publicaciones, como Quartz y The New York Times. Como diseñadora, sus trabajos como Design Play Cards, Game Changer Game, Secret Life of Things, Designercise y Gender Equity Toolkit están a la vanguardia del diseño de experiencias activas. Es autora de varios manuales para agentes de cambio y sigue investigando nuevos métodos para resolver problemas sociales complejos mediante intervenciones bien planificadas. La obra creativa de Leyla es muy aclamada, habiendo participado en una exposición permanente en el Museo Leonardo di Vinci de Milán y ganado encargos de la National Gallery of Victoria.

Es una oradora respetada internacionalmente y experta en su campo, habiendo dirigido miles de horas de talleres, conferencias, activaciones y experiencias educativas en todo el mundo. Leyla fue investigadora visitante en la Universidad de Nueva York e innovadora residente en el Centro de Innovación Social de Nueva York. También fue artista residente en Autodesk y dirigió el desarrollo de “Greenfly”, una de las primeras herramientas de evaluación del ciclo de vida en línea para diseñadores.

Leyla es invitada con regularidad a dar su opinión profesional en la radio y en la televisión, como asidua en el programa de comentarios políticos de ABC TV, QandA, y en PBS en colaboración con varios programas internacionales.

¿CÓMO PUEDE UNA EDUCACIÓN DE DISEÑO DISRUPTIVA ACTIVAR LA SOSTENIBILIDAD Y EL CAMBIO POSITIVO DE LOS SISTEMAS?

Ahora es el momento de un cambio radical, en el que todos los aspectos de la sociedad se ven afectados y transformados. La gran pregunta es ¿qué cambios en los sistemas darán lugar a un futuro positivo y sostenible? ¿Cómo podemos diseñar experiencias educativas que proporcionen las herramientas y técnicas necesarias ahora para apoyar la transformación que ya está en marcha? La economía circular ofrece muchas opciones de cambio creativo, ya que desafía la forma de las empresas, el desarrollo de productos y los procesos de producción. Sin embargo, la creación de una economía circular requiere que todos cambiemos la forma en que hacemos las cosas actualmente; cómo vivimos y trabajamos, diseñamos y construimos, consumimos y nos movemos. Este es un momento disruptivo y creativo, ya que atravesamos grandes cambios culturales en todos los aspectos de la vida, ¿qué podemos descubrir de las crisis actuales para poder hacer cambios que den lugar a un futuro justo y sostenible?

Katja Tschimmel, alemana de nacimiento y portuguesa por elección, es consultora y formadora de ejecutivos, investigadora y profesora, coach y ponente en varios congresos.
Con un doctorado en diseño y un máster en creatividad aplicada, Katja lleva más de 20 años investigando en las áreas de pensamiento creativo, pensamiento de diseño, procesos creativos e innovación. Presenta su trabajo en conferencias nacionales e internacionales y ha sido ponente principal en numerosas conferencias internacionales. Publica regularmente en el ámbito de la Creatividad y el Diseño, habiendo publicado recientemente el libro colectivo “El virus de la creatividad – un libro sobre y para el pensamiento creativo” (2019). Katja es la autora del modelo de innovación y pensamiento de diseño “Evolution 6”, cuya licencia es Creative Commons, CC by-SA desde 2015.
Katja es patrona de MINDSHAKE, una consultora de pensamiento creativo y diseño. Con el modelo “Evolution 6”, da coaching a los procesos creativos en los departamentos de innovación de varias empresas, como Adidas, Farfetch, Lipor, NOS o Roche. Como formadora y facilitadora, Katja tiene mucha experiencia en el diseño y la realización de talleres sobre creatividad e innovación, procesos creativos en las organizaciones, pensamiento de diseño (de servicios), herramientas de pensamiento creativo y dinámicas de grupo. Cree que el conocimiento de los factores que estimulan la creatividad contribuye a una mayor eficacia en los procesos de innovación.
Katja es actualmente profesora invitada en la Escuela de Negocios de Oporto, en la Facultad de Economía de la Universidad de Oporto y en la Universidad de Laurea (Finlandia). Durante 15 años fue profesora de la ESAD, Escola Superior de Artes e Design de Matosinhos (Portugal), donde coordinó entre 2014 y 2017 el proyecto de investigación D-THINK – Design Thinking Applied to Education and Training, Programa Erasmus +, KA2 – Cooperation and Innovation for Good Practices. En la ESAD también coordinó el primer Curso de Postgrado en Design Thinking en Portugal. Por invitación, imparte clases en otras instituciones educativas de Portugal y del extranjero. Katja supervisa muchas tesis de máster y doctorado y participa en varios jurados académicos. Es miembro de varios comités científicos internacionales de revisión por pares.

CREATIVIDAD Y DISEÑO: UN ENFOQUE SISTÉMICO

La creatividad se considera un motor de la evolución y la innovación humanas, y un factor decisivo en el desarrollo de las capacidades personales, profesionales, sociales y empresariales. Por supuesto, también en el ámbito del diseño, la creatividad, o más concretamente el pensamiento creativo, es un factor esencial para el éxito. A pesar de la existencia de algunas publicaciones científicas dedicadas a la relación entre la Creatividad y el Diseño, siguen existiendo discusiones sobre la naturaleza de la conexión entre estos dos conceptos, especialmente con la coexistencia de conceptos como Creatividad de Diseño, Diseño de Innovación o Design Thinking.

En esta conferencia interactiva, Katja Tschimmel tratará de desmitificar algunos de estos conceptos, contextualizando la creatividad y el diseño en una perspectiva sistémica en la que se considerarán otros factores responsables de la aparición de la novedad y la innovación. Además de un enfoque teórico, presentará algunos retos prácticos relacionados con la diferenciación del pensamiento creativo en el Diseño, y en general. Al final de su presentación, planteará algunos retos para la enseñanza del diseño.

Jonathan es un diseñador independiente que ha construido su carrera utilizando la práctica del diseño centrado en el ser humano para ayudar a las organizaciones a alcanzar nuevos niveles de innovación.

Comenzó su carrera en el diseño de productos, donde diseñó una amplia gama de productos de consumo, desde juguetes hasta asientos de inodoro, pasando por productos industriales para los sectores petrolero, pesquero y forestal. Todos los diseños de Jonathan se han fabricado y vendido con gran éxito, éxito que él atribuye a los principios de diseño centrados en el ser humano que le han acompañado desde el principio.

Jonathan forma parte de una serie de respetadas redes de asociados. Como Asociado de Diseño del Design Council, puso en marcha el internacionalmente reconocido Atlas de Diseño, formó parte del equipo que desarrolló el Doble Diamante y creó la Herramienta de Oportunidades de Diseño, que fue el núcleo del programa de apoyo a las empresas Designing Demand. Formó parte del pequeño equipo que dirigió la creación y ejecución de sus programas de coaching, que aceleran la comercialización de la ciencia, aceleran el crecimiento de las empresas y transforman la prestación de servicios públicos. Jonathan ha trabajado directamente con muchos de los clientes del Consejo de Diseño, entre ellos empresas de fabricación y servicios y organismos públicos de todos los tamaños, así como con los departamentos gubernamentales Home Office, BIS y Government Office for Science and EU Policy Lab.

Después de haber contribuido a dar forma y poner en marcha Innovation by Design en el Centre for Design Innovation de Irlanda -el primer programa de apoyo a las empresas centrado en el usuario y patrocinado por la UE-, Jonathan es coautor del Business Support Canvas (Lienzo de apoyo a las empresas), un enfoque estratégico para la evaluación, el desarrollo y la puesta en marcha de programas de diseño e innovación financiados con fondos públicos.

Los proyectos siguen siendo diversos: el libro de jugadas sobre la toma de decisiones creativas para la BBC Digital, el programa Design Thinking Accelerator para el V&A Dundee y la introducción de la estrategia basada en el diseño para organizaciones de todos los tamaños. Jonathan es instructor principal certificado del Instituto LUMA en Pittsburgh, donde su trabajo apoya el rápido crecimiento de LUMA y permite su alcance global con clientes como McDonalds, Honeywell, Autodesk, Prudential y DBS; uno de los principales bancos de Asia.

EL DOBLE DIAMANTE. ¿UN ICONO O UN CLICHÉ?

El Doble Diamante se ha convertido en una referencia habitual para el proceso de diseño desde que fue publicado por primera vez por el Consejo de Diseño en 2004. En aquel momento, el Design Council esperaba que “…desmitificara el proceso de diseño y lo hiciera accesible a un público ajeno al diseño…”. Utilizando ejemplos de su propia experiencia, Jonathan se toma el tiempo para reflexionar sobre los orígenes del Doble Diamante, comentar las formas en que se ha utilizado y preguntarse si sigue siendo relevante hoy en día.

Jan Eckert é Educador em Design e Investigador na Lucerne University of Applied Sciences and Arts, onde trabalha atualmente como coordenador do Programa de Mestrado em Design. Tem um PhD em Design Sciences pela IUAV University of Venice e um Mestrado Internacional em Interior Architectural Design pela University of Applied Sciences de Stuttgart, pelo Edinburgh College of Art e pela University of Applied Sciences and Arts de Lugano. Estudou anteriormente Arquitetura de Interiores na Universidade de Ciências Aplicadas de Stuttgart e na École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Eckert trabalhou pela primeira vez como Arquiteto de Interiores na área de Design de Varejo e Exposições. Como investigador sénior do Centro de Competência de Tipologia e Planejamento em Arquitetura de Lucerna, começou a desenvolver métodos e projetos centrados no ser humano na área de Design de Locais de Trabalho. Foi co-professor de Arquitetura de Interiores na Universidade de Ciências Aplicadas e Artes de Lucerne, professor visitante de Design na Universidade IUAV de Veneza, Universidade de Artes de Berna e também professor convidado na Universidad del Este, La Plata, Universidad Blas Pascal, Argentina e Izmir University of Economics, Turquia. Na sua tese de doutorado, descreve um conceito que chama de Handlungsspielraum. Este conceito abrange artefactos físicos e digitais que fornecem uma ‘fenda’ ou espaço especificamente projetado que fornece aos usuários espaço para analisar de que modo é que os artefatos podem ser usados.

LA ENSEÑANZA DEL DISEÑO Y EL “DISEÑADOR EN FORMA DE Y

“La actual expansión del diseño no es ni una casualidad, ni una tendencia de moda, ni la idea de una pequeña vanguardia. De hecho, es la consecuencia lógica de un cambio social masivo” – Florian Pfeffer, autor del libro To do: El nuevo papel del diseño en un mundo cambiante señala lo que durante mucho tiempo se ha ignorado en la enseñanza del diseño. La mayoría de los planes de estudio de diseño siguen aferrándose a una imagen más bien disciplinaria del diseñador que aporta su competencia profesional dentro de una gama bien definida de aplicaciones.

Al rediseñar nuestro plan de estudios de maestría en diseño, nos propusimos cuestionar la imagen disciplinaria del diseñador para encontrar una alternativa que se corresponda con la cambiante forma de trabajar de los profesionales. El punto de partida fue la hipótesis de que los diseñadores del siglo XXI actúan principalmente como colaboradores o creativos incrustados en campos e industrias, que principalmente no pertenecen al ámbito del diseño. Por lo tanto, abogamos por un plan de estudios de diseño que apoye la transición del trabajo en profundidad disciplinario al trabajo interdisciplinario. Para ello, ofrecemos un nuevo plan de estudios del Máster en Diseño que se centra en la conexión de habilidades y en nuevos formatos de aprendizaje conversacional. El cambio curricular más importante antes y después incluye el paso de un estudio de diseño disciplinario a uno basado en problemas, la enseñanza conjunta con profesores multidisciplinarios, el aprendizaje basado en el contexto con socios de la industria y los formatos de enseñanza orientados a la conversación.

Codirector del Centro de Diseño Circular de la Universidad de las Artes de Londres.
Es una diseñadora y académica que trabaja para unir la ciencia, la industria y el diseño mediante una investigación multidisciplinar y práctica. Entre los proyectos actuales se encuentran Mistra Future Fashion (2015-2019), Horizonte 2020 de la UE, Trash-2-Cash (2015-2018), donde su trabajo explora herramientas para el pensamiento del ciclo de vida y enfoques para el diseño circular interdisciplinario.
Tiene una larga relación de trabajo como miembro del consejo de administración de Worn Again, una nueva y revolucionaria empresa de tecnología de reciclaje con sede en el Reino Unido. Comenzó su investigación con Textiles Environment Design (TED) y Textile Futures Research Centre (TFRC) en 2005 con el primer doctorado basado en la práctica del Reino Unido centrado en el “diseño de textiles para la economía circular”. Su proceso de acabado por láser, desarrollado en 2008, permite el reciclaje cerrado totalmente circular de fibras de poliéster al final de su vida útil y ha sido expuesto internacionalmente. Actualmente es miembro del “EPSRC Forum in Manufacturing Research”, revisora experta de “Fashion for Good” y fue nombrada por The Guardian como una de las diez mejores expertas en economía circular en 2015.

NUEVAS FUNCIONES Y RELACIONES PARA LOS MATERIALES CIRCULARES DE DISEÑO. MODELOS Y MENTALIDADES PARA EL CAMBIO SISTÉMICO.

El diseño circular se hizo relevante para los materiales textiles a través de los Principios de Hannover de McDonnough y Braungart (1992), seguidos por el más citado Cradle to Cradle en 2002, donde el sexto principio “eliminar el concepto de residuo” apuntaba a una noción mucho más holística de la recuperación de materiales en comparación con el mantra “reducir, reutilizar, reciclar”. Pidieron que se optimizara “el ciclo de vida completo de los productos y procesos para emular el estado de los sistemas naturales, en los que no hay residuos”, y sugirieron que los métodos actuales perpetúan una estrategia “de la cuna a la tumba”, de naturaleza básicamente lineal.

El pensamiento sistémico circular se basa en el sistema más antiguo de todos: nuestro sistema ecológico. El modelo al que aspiramos se basa en una red sinérgica de bucles abiertos y bucles que se alimentan a múltiples escalas y velocidades. Son transformaciones complejas y sofisticadas de los materiales y la materia viva. Sin duda, en esta red veremos tecnologías y procesos antiguos y nuevos que contribuyen al conjunto, con alta y baja tecnología trabajando juntos. El mismo sistema puede incluir prendas lentas, recicladas a partir de los seres queridos o fibras recicladas químicamente que vuelven a ser de calidad virgen en un sistema de bucle cerrado en el que no se pierde nada.

El diseñador (textil) circular del futuro necesita comprender plenamente los ciclos técnicos y biológicos, pero la investigación en este campo nos ha demostrado que también necesita entender cómo estos ciclos pueden interconectarse; y la rapidez con la que estos ciclos funcionan. La investigación del diseño textil basada en la práctica interdisciplinar puede generar nuevas ideas para este campo de diseño emergente y el potencial del diseño circular es que “conecta” a través de las relaciones holísticas, la participación y la colaboración. Puede y debe trabajar en los niveles micro y macro (desde los materiales hasta los productos y sistemas) para evitar las consecuencias a menudo no deseadas que pueden derivarse de considerar sólo partes del ciclo de vida y de la cadena de valor, en lugar de la totalidad.

Esta presentación muestra proyectos basados en la práctica de los investigadores de diseño en el CCD y más allá que desafían y proporcionan una base para diferentes enfoques de la circularidad. A través de estos proyectos, empezamos a ver métodos, funciones y características emergentes para el futuro “Diseñador Circular” que puede construirse hacia un cambio verdaderamente sistémico.

Rui Cidra es antropólogo, etnomusicólogo e investigador del Instituto de Etnomusicología del Centro de Estudios de Música y Danza (INET- MD), de la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas de la Universidad Nueva de Lisboa. Su investigación aborda las relaciones de poder y las formas de participación política que enmarcan la producción de música africana lusófona, concretamente de Cabo Verde. En su tesis doctoral, Música, poder y diáspora: una etnografía y una historia entre Santiago, Cabo Verde y Portugal (2011) se centró en la música y la danza Funaná de Cabo Verde y en la producción de la subjetividad santiaguera caboverdiana a través de las líneas de criollismo, masculinidad y pertenencia nacional entre los momentos colonial y poscolonial. En su investigación posdoctoral, que tuvo lugar en el Departamento de Música de la Universidad de California, Berkeley, y en el INET-MD de Lisboa, ha escrito artículos en los que propone una genealogía crítica de la relación entre música, nación y diáspora entre los caboverdianos, en el pensamiento político de Amílcar Cabral y en las transformaciones provocadas por el orden neoliberal. Fue editor adjunto de la Enciclopédia de Música em Portugal do Século XX (2010), obra en la que también ha colaborado como redactor de entradas y artículos sobre músicos y géneros musicales de las diásporas africanas lusófonas y del pop rock producido en Portugal . Ha impartido clases en los cursos de postgrado de Migración, Etnicidad y Transnacionalismo (2004-2011) y Etnomusicología en la Facultad de Ciencias Sociales y Humanas de la Universidade Nova de Lisboa.

¿QUÉ ES LA “MÚSICA LUSÓFONA”? LOS USOS DE UNA CATEGORÍA POLÍTICA EN EL ÁMBITO DE LA PRODUCCIÓN CULTURAL

Alain Findeli es profesor honorario de la Escuela de Diseño Industrial de la Facultad de Diseño Medioambiental de la Universidad de Montreal (Canadá), donde desarrolló la mayor parte de su carrera (1975-2007), y profesor emérito de diseño en la Universidad de Nîmes (Francia), donde fue invitado a desarrollar la investigación y la docencia en materia de innovación social a través del diseño.

Formado como ingeniero en física (INSA de Lyon, 1968) e investigador en ciencia de los materiales (IIT de Chicago y Politécnica de Montreal, 1968-73), optó por reorientar su carrera y sus intereses hacia los aspectos humanos y sociales de la ingeniería, la tecnología y el diseño. Concluyó su amplio estudio de la historia de la enseñanza del diseño en su libro Le Bauhaus de Chicago: l’oeuvre pédagogique de Làszlò Moholy-Nagy (1995).

Los intereses de investigación y las publicaciones más recientes de Alain Findeli abarcan cuestiones generales de la teoría y la práctica del diseño (metodología, estética, ética), la fenomenología de las atmósferas en el diseño de paisajes e interiores, así como algunos aspectos pedagógicos cruciales de la enseñanza de la investigación en diseño (doctorado). Fundó el programa de Máster en Diseño y Complejidad en Montreal (1999) y cofundó el programa de Máster en Diseño-Innovación-Sociedad en Nîmes (2011). En 2006, cofundó la comunidad internacional francófona de investigación en diseño: Les Ateliers de la Recherche en Design, de la que es presidente. Se le considera un actor clave en la creación de PROJEKT (project.unimes.fr), el único laboratorio francés de investigación en diseño social (2016).

Miembro del comité científico de revistas como Design Issues (MIT Press), The Design Journal (Bloomsbury), Design and Culture (Bloomsbury), l’International Journal of Design Sciences y Technologies and Sciences of Design (PUF).

DE LA TEORÍA A LA PRÁCTICA Y VICEVERSA: UNA DICOTOMÍA INFRUCTUOSA EN EL DISEÑO

La conferencia comenzará con las siguientes preguntas: ¿Es necesario tener una teoría del diseño para enseñar la práctica del diseño? Si es así, ¿cómo sería esa teoría? A continuación, se presentará la evolución de las reflexiones y los modelos con los que se ha intentado responder a estas preguntas. Esta evolución debería considerarse la tarea de la investigación del diseño. En conclusión, se sugerirá que oponer la práctica del diseño y la investigación del diseño es contraproducente, especialmente en situaciones pedagógicas.

Doctor en Filosofía y Ciencias de la Educación, profesor del área de Pedagogía de la Expresión Musical, Plástica y Corporal de la Universidad del País Vasco. Sus intereses de investigación están relacionados con el plan de estudios y la música, la creatividad y la interculturalidad. Autor de artículos en revistas indexadas, libros y capítulos de libros, entre ellos: Introducción a la Investigación en Educación Musical (Enclave Creativa 2006); Aportaciones teóricas y metodológicas a la educación musical (Graó, 2007); Creatividad, una constante en el currículum (UC, 2007) Metodologías y líneas actuales de investigación en torno al aprendizaje de la música (Graó, 2010); Investigación cualitativa en educación musical (Graó, 2013).

El ponente ha participado en diversos comités científicos como revisor experto, además de ser ponente invitado en diversos foros nacionales e internacionales de investigación y docencia. Durante los años 1996-2006 presidió la Sociedad Estatal de Educación Musical (SEM-EE). Ha coordinado congresos científicos, seminarios y conferencias, destacando la dirección de la XXVI Conferencia de la Sociedad Internacional de Educación Musical, celebrada en julio de 2004. Es miembro del Departamento de Educación, Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco. También ha dirigido el máster de investigación en Psicodidáctica: Psicología de la Educación y Didáctica Específica de la Universidad del País Vasco (2011-2015) y ha sido miembro de la Comisión Permanente del Programa de Máster y Doctorado de su Universidad (2012- 2015).

Doctor en Filosofía y Ciencias de la Educación, profesor del área de Pedagogía de la Expresión Musical, Plástica y Corporal de la Universidad del País Vasco. Sus intereses de investigación están relacionados con el plan de estudios y la música, la creatividad y la interculturalidad. Autor de artículos en revistas indexadas, libros y capítulos de libros, entre ellos: Introducción a la Investigación en Educación Musical (Enclave Creativa 2006); Aportaciones teóricas y metodológicas a la educación musical (Graó, 2007); Creatividad, una constante en el currículum (UC, 2007) Metodologías y líneas actuales de investigación en torno al aprendizaje de la música (Graó, 2010); Investigación cualitativa en educación musical (Graó, 2013).

El ponente ha participado en diversos comités científicos como revisor experto, además de ser ponente invitado en diversos foros nacionales e internacionales de investigación y docencia. Durante los años 1996-2006 presidió la Sociedad Estatal de Educación Musical (SEM-EE). Ha coordinado congresos científicos, seminarios y conferencias, destacando la dirección de la XXVI Conferencia de la Sociedad Internacional de Educación Musical, celebrada en julio de 2004. Es miembro del Departamento de Educación, Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco. También ha dirigido el máster de investigación en Psicodidáctica: Psicología de la Educación y Didáctica Específica de la Universidad del País Vasco (2011-2015) y ha sido miembro de la Comisión Permanente del Programa de Máster y Doctorado de su Universidad (2012- 2015).

LA ENSEÑANZA Y LA INVESTIGACIÓN: UNA INVERSIÓN ATRACTIVA Y NECESARIA PARA LA EDUCACIÓN MUSICAL

Un número creciente de investigaciones en educación artística y, por lo tanto, en educación musical, nos han proporcionado importantes transformaciones en la forma de organizar la enseñanza y el aprendizaje, aunque nuestros estudios son poco conocidos por los investigadores de otras áreas de la educación y de la sociedad en general.

El reconocimiento de la capacidad de investigación, en el perfil del músico, no ha sido una tarea fácil.

El objetivo de esta intervención es alertar sobre esta situación y la necesidad de buscar formas de reconocer y difundir el trabajo realizado. Se insiste en establecer vínculos de colaboración entre investigadores y profesionales experimentados con jóvenes investigadores, creando así un contexto de investigación simbiótico. Sin embargo, está demostrado el beneficio que supone para la educación musical la colaboración académica con disciplinas que tienen un componente práctico o de producción, como las artes visuales, los medios de comunicación, los estudios cinematográficos, etc. La investigación en educación musical permite entender la formación a través de la investigación como un proceso dinámico y progresivo de la función docente, lo que la convierte en una inversión atractiva y necesaria.

Doctorado y Máster en Medio Ambiente Construido por la Universidad de Salford, Reino Unido; Doctorado en la Universidad Técnica de Lisboa, en Arquitectura, Especialización en Comunicación Visual; Posdoctorado en Diseño de Comunicación Visual, Diseño Inclusivo y Colores por la Universidad de Salford; Presidente del CIAUD (Centro de Investigación en Arquitectura, Urbanismo y Diseño); Coordinador del Área Científica de Diseño, del Máster en Diseño y del Doctorado en Diseño en la FA / ULisboa; Miembro del jurado de la FCT para la asignación de becas de doctorado y posdoctorado en Diseño, Arquitectura y Urbanismo.

Autor de varios artículos científicos en publicaciones revisadas por pares y con factor de impacto, autor de capítulos de libros y libros como Color e Inclusividad: un proyecto de diseño de comunicación visual con personas mayores (2013) y Color / Espacio, una unidad de comunicación visual (2011). Invitado con frecuencia como ponente en conferencias, congresos y seminarios en Portugal y en el extranjero.

PROCESOS EN EL DISEÑO – ENFOQUE EN LA EDUCACIÓN Y LA INVESTIGACIÓN

Se ha reforzado la relación entre la enseñanza, la investigación y la sociedad, buscando articular la teoría y la práctica, para que los estudiantes adquieran competencias progresivas y más complejas, preparándolos no sólo para los desafíos de la profesión, sino también para la conciencia de la necesidad de una formación permanente. Este cambio de paradigma está llevando a una actitud más asertiva, dando mayor importancia a los procesos y métodos de desarrollo del diseño en el diseño, desplazando el enfoque que antes se centraba en los resultados, en el producto final, pasando a los modelos, las metodologías utilizadas desde la fase de concepción , desde el desarrollo de los productos y su realización final, hasta la evaluación posterior al proyecto. Por otro lado, la investigación, con la adquisición de conocimientos sobre los métodos, técnicas y herramientas que se pueden utilizar en el proceso de investigación, se ha convertido en un componente fundamental tanto para la enseñanza como para la actividad profesional, en este caso, de los diseñadores.